Accéder au contenu principal

Zurbarán, maître de l’âge d’or espagnol

À propos de l’exposition « Zurbarán, maître de l’âge d’or espagnol », Palais des Beaux-Arts, Bruxelles

Lorsqu’on aborde le « siècle d’or » de la peinture espagnole, les figures emblématiques sont Et Greco, Velázquez, Murillo et Zurbarán. C’est une partie significative l’œuvre de ce dernier qui peut être découverte au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles jusqu’au 25 mai. Les tableaux offrent une vue d’ensemble de la production picturale très riche, essentiellement peuplée de figures religieuses, mais aussi de quelques natures mortes et même de portraits. Le contexte de Francisco de Zurbarán est celui du mysticisme et de l’austérité, des intérieurs ténébreux, des saintes somptueusement habillées en dames du monde, qui cultivent l’anachronisme et un certain mystère.

La vie de l’artiste (1598-1664) s’étend sur une période où le triomphe des arts va de pair, en Espagne, avec un déclin économique et une perte d’influence internationale qui ne seront réellement visibles qu’à la fin du siècle. Un temps de lent repli, marqué par l’influence de la Contre-Réforme.  Le peintre, né à Fuente de Cantos (Badajoz) fait son apprentissage à Séville, qui est, à l’époque, non seulement l’une des grandes villes espagnoles, mais aussi le siège de la Casa de contratación, institution qui contrôlait l’ensemble du commerce avec l’Amérique. Un lieu d’importance, qui attire des artistes de toute l’Europe,  où plusieurs ordres religieux sont bien établis. Ce sont précisément ces ordres les principaux mécènes ou clients de Zurbarán. Parmi d’autres, le couvent de la Merci Chaussée, qui lui commande en 1628 une série de peintures mettant en scène son histoire, des œuvres comme le surprenant Saint Sérapion en font partie. Dans la scène du martyre du saint, le spectateur est surtout attiré par les nombreuses nuances de blanc de l’habit monastique, par l’aspect très détaillé des plis et des ombres, par les contrastes et la clarté qui ressort du fond noir.

Le naturalisme dans les formes et le traitement des personnages est également présent, au-delà de sa première période sévillane, dans le reste de sa production, y compris dans l’unique portrait signé par Zurbarán qui soit conservé, ou dans d’autres peintures dont le sujet, également religieux, présente des scènes de la vie quotidienne : enfance de la Vierge, vie de Jésus, apparitions miraculeuses et passions mystiques. Les visages ont souvent une expression profonde et grave. Ils captivent le regard avec leur allure réfléchie, mélancolique ou extatique.

Contrairement à d’autres artistes de la même époque, Zurbarán a très peu voyagé, n’est pas allé en Italie. Il a, en revanche, séjourné à la cour de Madrid, en 1634 d’abord, où il a retrouvé Velázquez, afin de participer à la décoration du Palais du Buen Retiro ; à cette occasion, il a découvert les peintres italiens, ce qui a donné à sa palette des couleurs plus douces, l’éloignant du ténébrisme de ses débuts. De retour à Séville, il obtient d’importantes commandes à Llerena, Marchena, Arcos de la Frontera, pour des églises. Les séries des saintes appartiennent à cette époque.  L’activité se poursuivra avec grand succès pendant plusieurs années, en plus des tableaux destinés au marché sud-américain réalisés dans son atelier. À partir de 1658, Zurbarán réside à Madrid, où il meurt en 1664. Ses dernières années nous offrent des œuvres à la composition très complexe, comme le Saint Nicolas de Bari, ou dotées de paysages nocturnes en arrière-plan, comme la Vision de Saint Jean Baptiste. La peinture de Zurbarán nous fait découvrir des ambiances sombres, dramatiques et en même temps curieusement calmes, comme si tout malheur était déjà révolu, ou avait été accepté.


Zurbarán, maître de l’âge d’or espagnol. Du mercredi 29.01 au dimanche 25.05.2014 Palais des Beaux-Arts, Bruxelles, catalogue, 248 pages  http://www.bozar.be/activity.php?id=13203&selectiondate=2014-04-27

San Serapio

Vision de San Pedro Nolasco

Santa Dorotea

Images : Commons Wikimedia



Commentaires

Posts les plus consultés de ce blog

Suspens, Suspense

Faut-il écrire suspense ou suspens ? L’origine de ce mot, qui désigne un état d’attente anxieuse renvoie à ce petit e qui en modifie la prononciation. Avant d’être un effet de style littéraire, le suspens, ou la suspense (on écrivait sospens et sospense, et également suspence), était l’interdiction faite au prêtre de célébrer la messe de manière temporaire. Il était déclaré suspens, ou suspendu des fonctions ecclésiastiques. Selon la quatrième édition du Dictionnaire de l’Académie française (1), s’il persistait malgré sa suspense, le prêtre était déclaré irrégulier. Il y avait aussi une autre acception allant dans le même sens : « Anciennement, charte de suspense, charte royale par laquelle tout procès intenté à une personne absente pour le service ou par les ordres du prince demeurait en surséance jusqu'à son retour». (2) Suspens, employé en tant qu’adjectif, désigne aussi un état émotionnel (la perplexité) ou une qualité du lieu ou de l’atmosphère. Le Trésor de la langue françai…

Art des natures mortes

Un récent billet de ce blog évoquant certaines des caractéristiques de ce genre pictural m’a donné le désir d’approfondir quelque peu le sujet de la nature morte. Le sujet est très ancien, -présent déjà à l’époque hellénistique et romaine, visible encore dans des mosaïques et des fresques -, il existe également des témoignages d’autres représentations d’aliments et d’objets inanimés ; ainsi, Pline l’Ancien raconte l’histoire des raisins peints par Zeuxis, de manière tellement réaliste que les oiseaux viennent les becqueter, mais aucune de ces œuvres n’a été conservée- ₁. Ainsi, depuis l’Antiquité, le réalisme minutieux et l’évocation de la vie quotidienne sont deux traits essentiels des natures mortes. Dans le contexte antique, la nature et la nourriture évoquaient la richesse, l’hospitalité d’une maison ou le passage des saisons.


Toutefois, l’histoire de la nature morte, telle qu’on la connaît depuis quelques siècles, se déroule parallèlement à celle de la peinture sur chevalet. L’exp…

Un tableau : Jacopo de' Barbari, Portrait de Luca Pacioli

Un tableau : Jacopo de' Barbari, Portrait de Luca Pacioli
   Conservé au musée napolitain de Capodimonte, le portrait du mathématicien Luca Pacioli (1445-1514), peint vers 1500 et attribuée à Jacopo de' Barbari est à plus d'un titre étonnant. Rares sont les données sûres sur ses origines, son auteur ou la date probable d'exécution. Seule la signature, inscrite dans le décor sous la forme d'un petit papier plié, le « cartiglio », où se pose une mouche, mentionne « Jaco.Bar. Vigen 1495 ». Nul ne sait si cette inscription fait allusion à l'auteur ou au commanditaire (Ludovic Sforza, en ce temps-là duc de Bari). La toile apparaît pour la première fois en 1631, dans un inventaire des collections du palais ducal d' Urbino, sans autre information concernant son acquisition. Ensuite, quelques données sur sa destination ultérieure, d'Urbino à Naples en passant par Florence, au gré des héritages.
   Le savant, vêtu de l'habit franciscain, se tient au centre d…